Bueno, para empezar, no tienen porque ser únicamente del rock, en realidad, son mujeres que por mérito propio han logrado hacerse un hueco en el mundo de la música. Mujeres que no se contentan con poner la voz o la coreografía a las canciones de otros, como Madonna o Britney Spears.
Y es que en este Top solo encontrarás a artistas integrales, de esas que se atreven a escribir las letras y la música de sus propias canciones, y que luego salen a un escenario a defenderlas en directo.
¿Pero cuál, según tú, merecería el podio?
(Y por supuesto, faltan muchas; Amy Winehouse, VV Brown, Cat Power, Cindy Lauper, Kate Bush, La Roux, Peaches, Dolly Parton o Karen O, por citar a algunas, pero ya dejo un espacio para que rellenéis las que os falten)
Pioneros de la nueva ola londinense de R&B, Manfred Mann provenían del trad jazz y ese toque purista les hizo diferentes. Su tercer single “5, 4, 3 2, 1” llegó al número 5 de las Islas Británicas cuando fue elegida la sintonía del clásico show televisivo mod; “Ready, Steady, Go”, presentado por Cathy McGowan, The Mod Queen.
7. The Yardbirds – “I’m A Man”
Los Yardbirds siempre serán recordados como la banda seminal de tres de los mejores guitarristas de la historia: Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. “I’m A Man” fue escrita por Bo Diddley en el 55, pero la fama le llegó 10 años después con el cover de los ingleses.
8. The Jam – “A Town Called Malice”
Y ya llegamos a la segunda época mod, a caballo entre los 70 y los 80, que fue, sobre todo, fruto de la casualidad: al coincidir el estreno de “Quadrophenia” y el incipiente mod revival en las Islas encabezados por The Jam. En pleno apogeo del punk, Weller resucita clásicos de los 60 a golpe de Rickenbacker, impecablemente vestido con chaqueta de tres botones y pantalones sta-prest.
Es difícil escoger una de las canciones del Modfather como himno definitivo: En “A Town Called Malice” combina el sonido Motown con riffs rockeros; “Beginners” se basa en la novela homónima de Colin McGuinness en la que se describe el estilo de vida de los primeros mod faces.
9. Secret Affair – “Time For Action”
Su primer concierto fue en el 79 teloneando a los Jam. Glory Boys era como el líder de la banda, Ian Page, llamaba a sus fans, al igual que los 100 Faces seguidores de The Who, aunque “Time For Action” fue su alegato mod definitivo.
10. Los Elegantes – “Este es mi tiempo”
En su primera etapa estuvieron influenciaos por el R&B, el sonido de los 60 y el mod revival de los 70 y 80, pero fueron definitivamente adoptados por los mods españoles con su segundo single por canciones como “Me debo marchar” y “Este es mi tiempo”. Pero, por mor del tacaño Youtube, tengo que linkar “La Calle del Ritmo”.
PD: Para Rafa, el “Mod Face” del Almazán (1984-1987).
Voy a atreverme a hacer una lista con las Top 10 canciones que todo mod que se precie consideraría un himno. Aunque, seguramente, este riesgo generará controversia entre los que todavía persiguen “La Vida Total”. Incluyo temas del movimiento en sus inicios, la primera etapa de los felices 60, como del revival surgido a caballo entre los 70 y los 80.
Y, por supuesto, si eres un Mod de raza y no encuentras tu himno en la lista, harás muy bien en dejárnoslo clarito vía comentario….
Ahí van los primeros cinco temas del Top 10 “Himnos Mod”
1. Chris Farlowe & The Thunderbirds – “Buzz With The Fuzz”
Farlowe empezó a finales de los 50 en un grupo de skiffle, aunque lo que le hizo popular fue su versión de la stoniana “Out Of Time”. En plena efervescencia mod (del 60 al 66), Farlowe y los Thunderbirds publicaron “Buzz With The Fuzz” (cara A) con “You’re The One” (cara B).
El sonido jazzistico con Chris hablando más que cantando y los sonidos de sirena fueron muy rompedores en la época. Pero su disquera, Columbia, retiró el single nada más salir a la venta, temerosos de que se malinterpretara como contenido sexual el título de la canción. Sólo por esta anécdota, y también por la dificultad de coleccionista que supone conseguir un ejemplar, los mods más puristas lo consideran su himno.
2. Smokey Robinson and the Miracles – “Going To A Go-Go”
Un hit de R&B de los muchos que publicó el sello Tambla grabado en el 65 por los Miracles. Bobby Rogers, uno de su coautores y miembro de la banda, dijo que se inspiraron en el éxito que en aquellos años tuvieron los clubs de go-gos en Norteamérica.
3. The Marvelettes – “I’ll Keep Holding On”
También éxito de la Tambla, las Marvelettes fueron el primer grupo de chicas de éxito de la Motown. Una de las curiosidades de la canción es que es una de las pocas caras A cantada por Wanda Young, en lugar de la habitual Gladys Horton. Pero, en realidad se convirtió en un himno mod con el cover que hicieron los británicos The Action, una de las bandas de culto entre los mods face.
4. Martha Reeves & the Vandellas – “Nowhere To Run”
La canción está en una de esas lista que hace la revista Rolling Stones de los “tropecientos what-ever de tu vida”. Concretamente en las “500 mejores canciones de todos los tiempos”. Parece ser que también estaba entre las favoritas de los soldados yankees en Vietnam.
5. The Who – “My Generation”
¿Y qué se puede decir de este temazo que no se haya dicho ya? La voz de Daltrey imitando un “globo” de dexedrina (Dexys). “The Kids Are Alright” es otra canción de la época que también podría estar en esta lista de himnos. En fin, de los Who casi cualquier tema… hasta los Stones han reconocido que son el mejor directo de todos los tiempos.
Un día como hoy, Jerry García hubiese cumplido 67 años, pero su larga amistad con la heroína se reflejó en un ataque al corazón -hace ya cuatro 9 de agosto- que acabó con uno de los mejores guitarristas de la historia.
El indiscutible alma de Grateful Dead, los Dead, prácticamente inventó el concepto de una jamband, embarcándose en giras interminables. Y, aunque a muchos les extrañe esto que van a leer, los Dead fueron indie mucho antes de que ni tan siquiera se inventara ese término como género musical.
Indie, porque el espíritu hippy-psicodélico de los Deads les hizo mantenerse al margen de la industria musical, dejando que sus muchos seguidores (los Deadheads) se hicieran sus propias grabaciones durante sus impresionantes directos y los convirtieran después en bootlegs o grabaciones piratas, conocidas como tapes, que se iban pasando de unos a otros o, incluso, vendiendo entre concierto y concierto, y todo con el consentimiento de la banda.
El abuelo de Jerome, John “Jerry” García fue un emigrante español que se curró la vida como pudo de electricista y fue su hijo José quien, como músico profesional de Jazz, acabó determinando la vocación de Jerry como guitarrista.
Grateful Dead representó la contracultura de los 60 y sobrevivieron a la invasión brit y al binomio Beatles-Rolling. De hecho, sobrevivieron a todo, ya que los Death es una de las bandas más longevas del rock americano, publicando su último disco de estudio en los 90.
Grateful Dead y, sobre todo, Jerry García, han sido responsables de un montón de imaginería y tópicos del rock; la fidelidad de sus fans (Deadheads), que vendían todo tipo de parafernalia entre conciertos para financiarse el seguimiento del tour, las portadas de sus discos (Skull&Roses, “Steal your face” skull, The Jester…), que acabaron convirtiéndose en insignias de los “Hell’s Angels”.
Igual en Europa no les hicimos caso, pero en EE.UU. son una leyenda y, hasta en la Casa Blanca “obamaniaca” “es guay” decir que eres muy fan de los de Frisco. Por su parte, García ya tuvo en vida todos los reconocimientos que, al contrario que nosotros, los yankees saben dar a sus estrellas, pero cuando todavía viven, que tiene más mérito.
En el post que escribí sobre las muerte sospechosas del rock dejé intencionadamente fuera a Jimi Hendrix porque todas las versiones sobre su defunción apuntaban claramente a una misma dirección: sobredosis. Pues, error.
Y es que, según acaba de revelar el libro de un roadie de la leyenda de la guitarra, a éste lo mató su propio manager para cobrar la póliza del seguro de 2 millones de dólares. Michael James “Tappy” Wright, asegura que el manager Hendrix, Michael Jeffrey, le confesó en mitad de una borrachera que en 1971 lo mató porque se olía su despido y que, además, “tal y como estaba la carrera del músico, éste valía más muerto que vivo”.
La vida de Jeffrey es carne de best-seller. Su carrera de manager musical comenzó en los 60 llevando a The Animals,pero la cosa acabó fatal porque el grupo le acusó de quedarse con su dinero y de ser el causante de su ruptura. Se sospecha que trabajó para el MI5 y el crimen organizado. Y, posiblemente, transfirió a paraísos fiscales el dinero de Hendrix, de hecho, casualmente despidió al bajista de Experience porque quiso averiguar el destino de los maletines en los que guardaba el dinero de la banda.
Siempre se ha contado que Hendrix murió en un hotel de Londres por la mezcla de barbitúricos y vino después de una fiesta, y así fue, pero ahora ya sabemos que la sobredosis no fue fortuita sino intencionada.
Los holandeses The Thought tuvieron su momento de gloria en 1985, con la publicación de su disco homónimo. Liderada por los hermanos De Jong, la banda publicó tres vinilos en su corta carrera (1982-1986), que hoy por hoy están descatalogados y son muy codiciados entre los coleccionistas.
The Thought es lo mejor que Holanda ha dado a la new wave y se formó tras la disolución de The Rousers, otro grupo de culto, que adoraba a los Ramones y The Damned, y se forjó haciendo covers de powerpop y revival mod. Su single “Magazine Girl” es el más conocido, sobre todo por haber sido prohibido por un topless en la portada.
El sonido de The Thought bebe de la psicodelia sesentera y su canción más conocida es “Every Single Day”. Su música es un ejemplo de la reivindicación que los grupos indies hicieron a mediados de los 80 de los míticos The Byrds.
The Thought llegó a la escena underground norteamericana cuando hicieron una versión del éxito sesentero “I Had Too Much Dream Last Night” de Electric Prunes, lo que les permitió firmar con una major, aunque no duró mucho la alegría porque rompieron poco después y los De Jong formaron The Shavers.
Casi la canción de 2 Tone más clásica que haya, “Rudy, a Message to You” de Dandy Livingstone (1967), que The Specials popularizó en 1980.
Pero lo interesante aquí, es deducir quién de todos se ha “killer-truñado” en la canción con su cover y, por tanto, matado al mensaje, a Rudy y, sobre todo, al mensajero…
¡Gloria bendita lo de la Winehouse!
La original de Dandy Livingstone
La versión que popularizó la canción, por The Specials
Y ahora… empiezan los asesinatos:
Winehouse haciendo honor a su apellido
El espejo en el que se mira Manu Chao, Joe Strummer, ex-Clash, confundiendo el ska con una nana
La mítica canción “Satisfacción” de 1965, que dio a los Rolling Stones su primer número 1 en EE.UU. es posiblemente una de las más versioneadas de la historia del rock.
Aquí os dejo algunos ejemplos de los covers más y menos afortunados.
The Flamin’ Groovies fueron una mítica banda que representó dignamente el sonido rock&roll y r&b de los 60. Y sabían muy bien de lo que hablaban, porque empezaron precisamente en el San Francisco de esa década.
Los Groovies reivindicaron -hasta su ruptura en 1992- el auténtico sonido garajero de la “Brit Invasion”, que, by the way, fue de lo mejorcito que les pasó musicalmente hablando a los yankees en el siglo pasado.
Pero la lealtad a sus orígenes acabó convirtiéndose en su Talón de Aquiles. Su filia por lo british llevó a estos californianos a trasladarse a la Pérfida Albión en los 70, para experimentar el “té con pastas” que da el agua del Támesis. Y es que, además de a los Beatles, The Flamin’ Groovies amó por encima de todas las cosas a los Rolling Stones de la primera época.
Evidentemente en nuestro país no conocimos a los Groovies en los 60, y hasta la década de los 80 no les dimos una segunda oportunidad, gracias a una nueva generación que adoraba el garaje y los tuvo como grupo de culto.
Y si no hubiesen grabado tantas versiones de los Byrds, Beatles o Rolling, restando importancia a su propia obra, o si el sol de los Stones no hubiese brillado tanto, The Flamin’ Groovies no se habría quedado en la injusta sombra de los segundones.
La historia de la música ha dejado algunas pildorillas (y no precisamente de Prozac) de genios que, buscando la excelencia durante la grabación de un disco, han acabado como las famosas “maracas de Machín” por su perfeccionismo obsesivo.
El más conocido de todos es Brian Wilson, el alma de los Beach Boys, considerado como uno de los mitos vivientes de la música popular del siglo XX. Wilson mostró desde muy temprana edad su enorme talento para componer (pese a sufrir un 96% de sordera en el oído derecho) y hasta los Beatles acabaron reconociendo su influencia.
Pero la perfección obsesiva del líder de los Beach Boys tuvo su pico más alto durante la grabación de “SMile”. Su ofuscación por lograr la pureza de sonido, grabando una y otra vez las piezas en el estudio, acabó con Wilson sufriendo episodios graves de locura y frustrando la publicación del disco.
El líder de los “festivos” Beach Boys pasó las siguientes décadas sin levantarse de la cama, durmiendo, comiendo y drogándose en cantidades industriales, tratado por el famosos psiquiatra Eugene Landy, que le atiborró de electroshocks y psicotrópicos. “SMile” acabó publicándose en 2004, tan sólo 37 años después.
“Till I Die”, canción en la que Brian Wilson se define como “un corcho en el océano”
Otro caso de perfeccionismo obsesivo fue Lee Mavers de The La’s. A finales de los 80 los británicos pasaron a la historia del britpop con su primer y único disco, fruto de una grabación más que accidentada. Al parecer, tras firmar contrato con Go Records, la banda se mete en el estudio y Mavers se dedica a grabar obsesivamente una y otra vez cada canción sin alcanzar nunca el grado de satisfacción que buscaba. Después de cuatro largos años la casa de discos se harta, secuestra las cintas y lo publica en 1990 sin el consentimiento Mavers. Pese a obtener grandes elogios de la crítica, el líder de The La’s acabo tildando su propia obra de “una mierda”.
“There She Goes” de The La’s, canción admirada por Elvis Costello
El otro obseso de la perfección es Kevin Shields de My Bloody Valentine. La banda de Dublín se traslada a Londres y despacha “Isn’t anything”, con el que consiguen imponerse en el mapa indie. Pero luego llegó la dramática grabación de “Loveless”, en el que intervienen hasta un total de 14 ingenieros de sonido. El coste de la grabación (medio millón de euros) arruina a la discográfica y la banda desaparece, para regresar 17 años después sin haber logrado grabar ni una sola nueva canción desde entonces. Pese a todo, Shields no parece haber curado su carácter obsesivo y en 1995 MBV fichó por Island, que desembolsó otro medio “kilo” de libras en un disco que no llegó a ver la luz jamás.
“Soon” de My Bloody Valentine, grupo fetiche de Sofía Coppola
